Love, Death & Robots (World-wide, Netflix, 2019)

Netflix transmite Love, Death & Robots desde el 15 de marzo de 2019, creada Tim Miller (Dir. Deadpool,2016) acompañado en la producción entre otros por David Fincher (Dir. SE7EN,1995; Dir. Zodiac,2017; Dir. Mindhunter,2017-2019).

Love, Death & Robots antología de animación para adultos de fantasía, ciencia ficción y comedia -porque se filtran un par de historias del absurdo-, compuesta por 18 cortos de 10 a 15 min, dirigidos por algunos debutantes en la dirección pero que ya son veteranos en distintas áreas como efectos visuales.

Estrenada en el festival de cine y televisión South By Southwest 2019, Love, Death & Robots disparó algunas -no en su mayoría- críticas poco positivas, reunidas en Rotten Tomatoes, que centran sus acusaciones en las narrativas, encontrándolas empobrecidas en cuanto a madurez (Ref. Daniel Kurland en Den of Geek). Como un conjunto “irregular” -¿cuál parte de antología no entendió bien Mikel Zorrilla de Espinof? Al parecer también las encontraron “gratuitamente violentas” y demasiado centradas en la masculinidad (Ref. Ben Travers de IndieWire). Críticas que no parecen más que pretenciosas y mal sustentadas.

Este último argumento -el de centradas en la masculinidad- lo encuentro extremadamente chocante, porque no es más que un intento de trepar la crítica de una forma fácil e injustificada a los esfuerzos de igualdad y equidad que llevan años en desarrollo. No amigo, a este tren no te subes.

El primer episodio, Sonnie's Edge; basado en la historia de Peter F. Hamilton, un autor de “ópera espacial” que tiene más de 2 millones de copias vendidas en su haber. Dirigido por el encargado de los efectos especiales de Avengers, Dave Wilson, lo protagoniza una luchadora de peleas de entretenimiento que tiene un secreto que la hace única en su mundo. Pensar que las peleas, o la violencia, es un tema masculino es afirmar las diferencias que precisamente se quieren demoler. Las mujeres no somos exclusivas de un mundo pacífico y agradable.

Suits (Ep. 4) escrito por Tim Miller es una historia familia y comunidad de granjeros, en una atmosfera de supervivencia Sci-Fi. Donde las mujeres, una de ellas al frente de la batalla y dos como esposas que brindan apoyo estratégico y técnico definen el desenlace gracias al juego en equipo. Eso no es un tema masculino, es un tema humano.

Good Hunting (Ep. 8) -mi capítulo favorito- basada en la historia corta homónima del norteamericano de origen chino Ken Liu, dirigida por Oliver Thomas (parte del equipo de animación de Cómo entrenar a tu dragón). Es la historia, de género silkpunk, de una hulijing que pierde sus poderes espirituales por el desarrollo industrial y tecnológico, y con ayuda de un amigo se adapta a su entorno. Esto no me parece masculinamente centrado, a parte de los protagonistas se expone el efecto que tiene el desarrollo en las tradiciones y el daño ambiental; ciertamente la co-protagonista aquí es superviviente, como en el primer episodio, una víctima que prevalece y se impone. Esto es empoderante. Bueno, admito, que a través de la venganza, pero para mí funciona muy bien.  

Helping Hand (Ep. 11) basado en la historia homónima de la autora de no ficción sobre transexualidad y ciencia ficción, Claudine Griggs. Dirigida por el animador Jon yeo, es otro episodio protagonizado por una mujer, que sobrevive a un accidente gracias a ingenio, valentía y autosacrificio. Sí, otra sobreviviente. ¿Y no hay algo que te ponga más a mil que ver a una mujer salir adelante? Una mujer con un trabajo de mecánico, en el espacio, sola.

Lucky 13 (Ep. 13) escrito por Marko Kloos, autor de ciencia ficción, dirigido por el artista en efectos especiales Jerome Chen que tiene entre sus credenciales como supervisor de efectos a Contact (1997) Godzilla (1998) Beaowulf (2007) The Amazing Spider-Man (2012 y 2014) y Escuadrón suicida (2016) por nombrar algunos. Protagonizado por la preciosa Samira Wiley (Orange is the new black) trata sobre una piloto de asalto a la que le dan una nave con una muy mala reputación. Una mujer a la que le dan las sobras, nunca visto. Una mujer que hace con esas sobras el trabajo que no logró ningún hombre llevándola a la cúspide del éxito y del reconocimiento. Vaya, que masculinamente centrado.

El 28% de los episodios son historias de mujeres, protagonizados por mujeres, mujeres que triunfan. A mí no me parece masculinamente centrado.

Podría desarrollar mi opinión sobre los otros 13 episodios, pero no acabaríamos esto nunca. Sólo mencionaré los tres episodios por los que figura el género “comedia” en su descripción: Three Robots, When the Yogurt Took Over y Alternate Histories, ésta última especialmente hilarante que captó mi apreciación positiva en el uso de análisis y combinación de datos para crear escenarios ficticios.

Otra historia que raptó mi corazón -mi segunda preferida- es Zima Blue, basado en una historia de Alastair Reynolds y dirigido por el animador canadiense Robert Valley. La esencia especialmente existencial de este corto me hizo saltar lágrimas. A veces tenemos que alcanzar el cenit de nuestra capacidad de desarrollo para acabar encontrando solaz en lo más simple de nuestra existencia: un trabajo bien hecho.

Es cierto que el corte general de las historias es oscuro y perturbador en su mayoría. Pero yo soy audiencia de esos temas y me doy por ampliamente satisfecha. Y si nos centramos en que es una curación de animación, yo diría que el resultado es extraordinario por la combinación de géneros narrativos basada en autores experimentados, pero sobre todo por la mezcla de estilos y técnicas de animación Dibujo animado, Rotoscopía, Sistema inercial y Computarizada.

Yo diría que es un bufet de lujo.

¿A ustedes también le llamó la atención que el código sonoro de los títulos es o se parece mucho a los que usa Black Mirror? Ésa es mi única critica negativa: Netflix, vamos, no tenía que crear ese enganche por asociación, la serie merece su propia identidad sin necesidad de relacionarla con hit probado.

Jee-woon Kim

Hoy pregunté, ¿por qué demonios querría alguien ver The Last Stand con Arnold Schwarzenegger? y me dieron una razón rebuena: es la primera incursión hollywoodense como director de  Jee-woon Kim, quien tiene en su cuenta el guión del film de horror Presencias extrañas (The Uninvited, USA, Candá, Alemania, 2009)

Resulta que de Jee-woon Kim tenemos una historia de horror/amor con Dos Hermanas, un western psicodélico hilarante con El Bueno El Malo y El Raro, un thriller suspense inmisericorde con Encontré al diablo y una elegantemente sobria y soberbia historia sobre un matón de élite a la orden de la mafia Coreana en A Bittersweet Life.

Dos Hermanas (Janghwa, Hongryeon, Corea del Sur, 2003) thriller dramático de horror que me produjo sensaciones extrañas: no terminé con la emoción que esperaba de la experiencia, sino con el cuerpo cortado de pena. 

No se trata de la típica película de horror; de hecho yo la calificaría en primera instancia como un drama, el horror es como secundario. En cuanto al horror hay una galería visual muy original. El gran fuerte de esta película es su belleza visual, es así: una película de horror que es un placer ver del puro arte, buena dirección y fotografía que tiene.

A Bittersweet Life (Dalkomhan insaeng, Corea del Sur, 2005) thriller de acción, crimen, venganza y drama. 

No es la que más me ha gustado de Jee-woon Kim pero es sólo un asunto subjetivo porque es intensa y hermosa. Ideal para aquellos que gustan de filmes de la mafía con códigos de honor y cosas así. Posee todos los atributos visuales de Dos hermanas a la que se le suma discretamente una violencia salvaje que sólo podremos ver en su cenit en Encontré al diablo.

Tendrá un remake gringo a dirigir en debut por Allen Hughes, guionista de Invictus (Clint Eastwood, 2009) y Sherlock Holmes (Guy Ritchie, 2009).

El Bueno, el Malo y el Raro (Joheunnom nabbeunnom isanghannom, Corea del Sur, 2008) Western coreano.

Si un italiano hace un western se le llama spaghettiwestern, si un coreano hace un western ¿se llama sushi western? El Bueno, el Malo y el Raro es el remake de la película de Sergio Leone Il Buono, il brutto, il cattivo de 1966.

Es un fiestón de film, desde el inicio di palmaditas y brinquitos de gusto: tiene unas secuencias de acción ¡placenteramente largas! La banda sonora es digna de las películas de Quentin Tarantino, de hecho hay un track que coincide con Kill Bill I. El uso de cámara te recuerda al virtuoso de Fincher con sus tomas eternas sin cortes que traspasan mesas, sillas, pisos y hasta paredes que emulan a su vez al maestro Alfred Hitchcock. Hay secuencias de acción que ya quisiera Guy Ritchie poder concebir, como por ejemplo la persecución sobre los techos en el Mercado Fantasma.

En cuanto a las caracterizaciones, el irresistible papitomirey de Lee Byung-Hun (actor fetiche de Jee-woon Kim) se luce haciendo un papel de malo maluco malucototote, con mucho estilo y clase. Kang-ho Song como el raro (el actor fetiche de Joon-ho Bong y de Chan-wook Park, ya saben: The Host, Memorias de un Crimen, Old Boy, Simpatía por Sr. Venganza) Estoy enamorada de este hombre y sus caracterizaciones, tiene un don para expresar físicamente lo más patético del ser humano: el humor en el drama, la maldad inconmensurable disfrazada de imbecilidad, ternura en la idiotez. Este hombre con su cara de plato con ojos es sencillamente inigualable, un actor como ningún otro. Y finalmente, Woo-sung Jung, otro hermoso coreano perfecto para el papel del bueno.

Dato curioso: El Bueno, el Malo y el Raro se fulminó un presupuesto de 10 millones de dólares, y puedes ver cada centavo en acción. Los efectos especiales son tipo old school con maquetas, no se ve ni una sola cochina digitalización ¡DIVINA!

Encontré al diablo (Akmareul boatda, Corea del Sur, 2010) es una  thriller de horror, drama y venganza que ganó Mejor Película en Stiges 2010.

Si son asiduos al cine asiático estarán de acuerdo conmigo en que los de Corea nos muestran villanos de una crueldad intolerable y unos policías bastante inefectivos. Encontré al diablo reafirma mi hipótesis.

Las trama la desarrollan dos personajes que se envuelven en una inescrupulosa persecución donde se confunden entre sí en un duelo sin tregua de brutalidad visceral. Uno es un policía que busca justificada venganza, el otro es un asesino en serie que no conoce los límites de la maldad.

Visualmente es inmisericorde, explicita, violenta y sádica -sin ven la versión sin censura: dense por advertidos-.

El título le va de perlas, porque no puede sino encontrarse al diablo cuando el dolor te empuja al abismo de la locura y te ves a ti mismo haciendo cosas de las que no crees que seas capaz ni el mismo lucifer.

Yo metería todas sus películas en mi estantería de films esenciales, porque el virtuosismo con que Jee-woon Kim  nos regala una diversidad de historias y géneros se agradece.

¡Piratas! Una loca aventura

 ¡Piratas! Una loca aventura (The Pirates! In an Adventure with Scientists!, Inglaterra, 2012) Animación de aventura y comedia, dirigida por Peter Lord y Jeff Newitt, mismos de Pollitos en fuga (2000) y –mi amada–  Wallace y Gromit (2005) –de la que sigo esperando alguna otra parte, la que sea–.

Debo decir que no me encantó, sin embargo toca reconocer todos sus válidos méritos: está nominada al Oscar 2013 como mejor película animada, gracias al trabajo de Aardman Animation en esta obra stop-motion. Esta calidad trabajo animado con objetos de plastilina y/o arcilla aseguran la sobrevivencia y el futuro de esta técnica artesanal para el deleite de quienes la disfrutamos tanto. Lástima que los Dodos no puedan decir lo mismo ; D.

Amé los títulos finales, lo que deja claro que el compromiso de este equipo de creadores está en cada pequeño detalle.

Ya en desarrollo, ¡Piratas! Una loca aventura es una historia que recurre a todos los tópicos y clichés de los piratas en una reinterpretación histórica del mil ochocientos quién sabe –seguramente culpable de un alza en suicidios de profesores de Historia-, combinados con chaladuras adorables, humor británico, descontextualización y anacronismos; para darnos unos personajes muy claros, cada uno de ellos particularmente distinto, comenzando con el tierno protagonista el Capitán Pirata (Huhg Grant), un líder amado por su tripulación, ingenuo y sediento de reconocimiento profesional como Pirata del Año; el extraño Charles Darwin (David Tennant), sus adversarios Black Bellamy, Cutlass Liz y Peg Leg Hastings interpretados por  Jeremy Piven, Salma Hayek y Lenny Henry respectivamente, y la feroz y voraz villana, ¡oh! la vil Reina Victoria (Imelda Staunton) ¡Divina!

¡Piratas! Una loca aventura esta basada en  las novelas cortas infantiles de Gedeón Defoe: ¡Piratas! en una aventura con los científicos (el encuentro con Darwin y Bobo) y ¡Piratas! en una aventura con la pesca de ballenas (enfrentamiento contra Cutlass Liz).

¿Por qué ver ¡Piratas! Una loca aventura? Porque es considerada ‘una joya artística’ por la crítica. Cuenta con 6.5 en IMDB, 87% en Rotten Tomatoes y Flixter le otorga un sincero 60% de aceptación. Y es un film 100% familiar, ideal para los más pequeños y suficientemente simpática como para que no se duerman los adultos. ¡Ah! Y por Mr. Bobo que es quien se robó el show con sus tarjetas de mensajes. No la vean en 3D, no agrega nada.

Dato curioso: (e indignante) En la vida real, Charles Darwin era miembro de la sociedad Gourmet Glotón, en el que los participantes comían platos poco comunes los pericos y búhos. <- ¡Odio a Darwin!

Un dios salvaje

Un dios salvaje (Carnage, Francia, Alemania, Polonia y España, 2011) comedia incómoda y amarga, kitsch y snob sobre la naturaleza humana, adaptación cinematográfica de la obra teatral original, escrita por Yasmina Reza,  dirigida por Roman Polanski.

Protagonizada por un elenco FANTÁSTICO. En una esquina tenemos a una neurótica, histérica, bohemia y activista-intelectual Jodie Foster, junto a un pasivo-agresivo, aburrido pero explosivo John C. Reilly y en la otra esquina tenemos al cínico y agresivo ejecutivo Christoph Waltz junto a una elegante, hipócrita y poser Kate Winslet.

Un dios salvaje versa sobre una ‘divina’ confrontación de padres que se reúnen para hablar sobre una agresión que ocurrió  entre sus hijos. Comienza con un civismo altruista, políticamente correcto, le siguen todas las buenas costumbres de cortesía social que existen sobre la tierra, aunque se dejan colar algunas amargar puyas, pero la tolerancia prevalece en nombre de un bien mayor: la moral y las adecuadas formas sociales. Todo esto da tantas náuseas que… bueno no se puede hacer otra cosa que vomitar toda esa porquería en alguna parte.

Desde que comenzó Un dios salvaje me sentí atrapada, el film me produjo una asfixiante sensación de claustrofobia intolerable, por la sencilla razón de que trascurre en un solo escenario. ¡Es que es una obra de teatro! Aunque el guión es tremenda joya, una obra maestra, pero el formato cinematográfico no está hecho para restringirse a un escenario como suele sucederle al teatro.

Existen films que transcurren en un solo escenario, con solo uno o dos actores, ejemplo Hard Candy o Sepultado, que consiguen estresarnos hasta el tuétano, porque se trata de thrillers y el estrés es el objetivo central de la obra. Sin embargo,  Un dios salvaje en vez de transmitir una tensión estresante necesitaría transmitir una tensión incómoda – que no es lo mismo- aunque la incomodidad es parte, no es el foco central del asunto –se trata de cómo desnudamos nuestra alma con un poco de presión y wisky–; y creo que encerrarnos en un escenario fue un error en la adaptación cinematográfica.

¿Por qué ver ésta película? Porque es un material inteligente y divertido, una crítica social; y siempre puedes dormirte a la mitad ¡ó tener tu propia pelea con los vecinos!

Dato curioso: Roman Polanski hace un cameo en su film, es el vecino que abre la puerta en el pasillo y sigue sin pagar cana por abuso sexual de una menor de 13 años. Pero todos podemos reírnos de sus gracias fílmicas.

Adultos Jóvenes

Adultos Jóvenes (Young Adult, USA, 2011) es un drama, definitivamente es un drama, el asunto es que todo es tan terriblemente patético que da risa… y mucha vergüenza ajena; de la autora de Juno y Jennifer´s body, Diablo Cody –¡demonios como me encanta su nombre artístico!– dirigida por Jason Reitman, responsable de Juno, Up in the air y Thank You for Smoking entre otras películas.

Protagonizada por la genial Charlize Theron, casi eclipsada por Patton Oswalt; Patrick Wilson como la manzana prohibida y Elizabeth Reaser como la encarnación de una vida normal.

Theron es una actriz que no le tema a nada, no teme destrozar su belleza e interpretar a una asesina en serie y no teme destrozar su simpatía  e interpretar a una mujer repugnante con unos asuntos psicológicos bastantes complicados, e igual de comunes a muchos mortales. En general no teme que la audiencia la odie por detestable.

Lo que le valió  una nominación para los Globos de Oro 2011 por interpretar a Mavis en Adultos Jóvenes.

¿Qué les pasa los gringos con mujeres intentando separar parejas? (La boda de mi mejor amigo y por el estilo) Es de conocimiento popular que no hay algo que te haga más atractivo que no estar disponible, y bueno la mayoría de las personas sufrimos en silencio haber perdido y no tener a alguien que a segunda vista (y comprometido con otra persona) resulta verse como la persona destinada a estar con nosotros para siempre.

El tema en Adultos Jóvenes es que Mavis, la protagonista del filme al parecer lo tiene todo para ser feliz, pero no, nada de eso, vive una rutina autodestructiva que alcanza el cenit al obsesionarse con recuperar a su ex novio de la secundaria. Definitivamente tiene una distorsión con su percepción de la realidad, posiblemente un grave problema con el alcohol. (Yo apostaría además por depresión)

En la otra esquina hay un personaje que lo que tiene de poco agraciado lo tiene en simpatía nerd, o al menos así queda al lado de la loca despiadada de Mavis; se trata de Matt a quien le toca ser la personificación del drama y la dura realidad.

Hay un momento clímax entre Mavis y Matt que realmente hace que valga la pena el film, porque el guión es una belleza de vulnerabilidad humana.

¿Por qué ver Adultos Jóvenes? A los caballeros les va a gustar porque Charlize además de excelente actriz es un colirio y podrán todos tener la fantasía de que la reina del baile se les regale. A las damas, bueno, sí tú no fuiste la reina del baile de graduación, te va a encantar imaginar que la sí fue, es así de infeliz como Mavis. Si por el contrarío te encuentras en la situación de la protagonista, después de ver la peli, vas a checar que tus plantas y animales sigan vivos, te vas a bañar y vas a tirar al caño toda la bebida que no sea agua de tu casa, te vas a inscribir en alcohólicos anónimos y vas a pedir cita con un psiquiatra. Realmente la película hace trabajo social.

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Aunque Adultos Jóvenes es un retrato exagerado de  inmadurez, graves problemas de autoestima, y repito depresión, en un entorno de estereotipos de pueblo, se agradece muchísimo que el film no finaliza con la redención iluminada de la engreída y vanidosa que va por mal camino, como vemos convencionalmente en este tipo de personajes.

Dato Curioso: Jason Reitman  es hijo de Ivan Reitman director de Poli de guardería y las dos entregas de Los Cazafantasmas.

Attack the Block

Attack the Block (Reino Unido, Francia, 2011) Horromedia, ósea comedia de terror, alien sci-fi  dirigido por el debutante tras la cámara Joe Cornish, uno de los tres guionistas de Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio; producida por los genios de Shaun of the dead, y consentida del Festival Sitges 2011 con Gran Premio del Público, Premio de la Crítica, Premio Especial del Jurado y Premio a la  Mejor Banda Sonora Original.

En Attack the Block una invasión espacial se enfrenta a lo más malandro de un barrio en Londres, ¿Entre los lectores hay adultos de la tercera edad? ¿Ósea gente mayor de 30 años? ¿Recuerdan Critters de 1986, cuando el mundo es amenazado por muppets con muchos dientes y nos salvan los Hillie Billies? Bueno así, pero mezclado con Hip Hop y Grand Theft Auto.

No se dejen deslumbrar por los premios, Attack the Block no es un film inolvidable, es sórdida y divertida, es entretenimiento de calidad hecho con bajo presupuesto, la crema, pero serie B al fin y al cabo. No todo mundo aprecia este género, sin embargo sí es remarcable la acertada combinación marginalidad/heroísmo - parodia de la pandilla urbana/denuncia social que gira en torno de ‘el enemigo de mi enemigo es mi amigo’.

¿Por qué ver  Attack the Block? Si lo tuyo no es la serie B pero sí la música House y electrónica: la banda sonora está a cargo de Steven Prince y Felix Buxton y de Simon Ratcliffe de Basement Jaxx y al parecer es una de las mejores del año. (Yo todavía no me decido entre la de Hanna por The Chemical Brothers, la de Drive o la de La Chica del Dragón Tatuado)

Dato Curioso: El joven protagonista, el mini Denzel Washington, John Boyega, es el futuro Tyson para la HBO.

Principiantes

Principiantes (Beginners, USA, 2010) Dramedia romántico, con más dra que media, en serio no se crean aquello de comedia, no es comedia, dense por advertidos. Dirigida por Mike Mills, a quien de verdad no conozco pero deseo resolver eso.

Si necesitan un antídoto para los efectos corrosivos de Melancolía, lo mejor que pueden hacer es ver Principiantes, otra forma de abordar la depresión.

Protagonizada por Ewan McGregor, Christopher Plummer –quien ya se llevó un Globo de Oro por su actuación-  por quien se hiciese conocida gracias a Bastardos Sin Gloria: Mélanie Laurent, Goran Visnjic, Mary Page Keller y por Cosmo el perro deprimido.

Para mí, una de las mejores películas que he tenido el gusto de ver en lo que va de año, un regalo. La indie del año. Es una historia sobre gente triste, que a pesar de la terrible tristeza que lleva por dentro y le rodea no se da por vencida e intentan, como unos principiantes ser felices –porque como escribe Septimo Arte net: en relaciones todos somos principiantes–.

Ewan McGregor está perfecto encarnando a melancólico herido de muerte por el luto, marcado por una tristeza casi genética. Christopher Plummer a su vez el alma del film, un viudo que ha decido empezar a ser lo que siempre ha sido pero ha vivido reprimiendo; y Melanie Laurent es esa tristeza absorbe cuanto momento liberador tiene a mano y luego huye: “La mitad de la gente cree que todo va a salir mal. La otra cree en la magia. Y hay una guerra entre ellos”. Tres formas distintas de vivir la tristeza y volver a empezar.

La narrativa recurre a flashback casi oníricos, anacrónicos, para darnos una clara idea del peso que tiene en el hoyo a Oliver. A pesar del desorden estos ‘recuerdos’ funcionan perfectamente porque vienen al caso según la circunstancia, tal y como de verdad recordamos, lo que hace que la historia fluya con asombrosa naturalidad.

Los que saben de esto reseñan que el estilo del film es de Nouvelle Vague con un marcado sesgo de años 60´s, lo que aporta una valía estética muy estimable.

Se trata de un film conmovedor y emotivo que tiene un guión maravilloso, un casting que hace unas interpretaciones que llegan a ‘tocarte’ y una edición enfocada en el instante, aquello que constituye lo romántico: momentos.

¿Por qué ver ésta película? Cito a la Butaca.net ‘…el cineasta plantea en su esencia que el tiempo pasa para todos y que las oportunidades para ser felices están ahí…’

Dato Curioso: La película se inspira en experiencias de Mike Mills, el director, como cuando su padre hizo pública su homosexualidad y comenzó una relación homosexual después de que su esposa murió.

Damas en Guerra

Damas en Guerra (Bridesmaids, USA, 2011) Comedia para adultos sobre la amistad y el romance, dirigida por Paul Feig; quien se ha fogueado con capítulos de Arrested Develoment, 30 Rock, Mad Men y The Office entre otros; y producida por el genio en la comedia que dado vida a Ligeramente Embarazada, Virgen a los 40 y ¿Cómo sobrevivir a mi ex?, Judd Apaow.  

Ganadora Best Comedy Movie  de 2012 Critics' Choice Awards

Protagonizada por Kristen Wiig, Maya Rudolph y Rose Byrne. La primera tiene experiencia en movie thirteen rated, la segunda es una veterana de SNL y la tercera es la elección perfecta cuando buscas a The Bitch.

En el bando de los chicos tenemos a Don Harper, perdón a Jon Hamm como un cerdo bastardo egoísta e insensible y Chris O'Dowd como todo lo contrario.

El resto del casting está allí para llenar esterotipos de comedia, y lo hacen bien.

Escatológica comedia llena de situaciones incómodas, muy incómodas. Pobre Annie, su vida está fatal (viene del total quiebre de su negocio y noviazgo, su sex buddy es un asco, su trabajo apesta y vive con dos subnormales de espanto) y se la lleva el tren: su mejor amiga se casa y la quiere de Dama de Honor (para lo nos enterados se trata de quien planifica la cena de compromiso, la despedida de soltera y la boda, ósea la responsable de que la novia sea feliz).

Una crisis de nervios es lo mínimo que puede enfrentar Annie, pero no, tiene que encarar a Helen, una paracaidista en la vida de su mejor amiga Lilian, la novia en cuestión, quien tiene sus propios issues y quiere robarse toda la atención, créditos y atención de Lilian.

Esto detona una rivalidad que pone la boda en segundo plano y desata una serie de hilarantes –desagradables- situaciones y desaciertos –deplorables- conocidos como humor slapstick.

¿Por qué ver ésta película? Para ver un film que compite en vulgaridad con Hangover, con chicas ‘de verdad’ al estilo de Loco por Mary, ya saben guarra pero sexy. Si se preguntan ¿por qué los parecidos? Es porque de por sí se trata de un género llamado ‘Nueva Comedia Americana’. Olvídate de la edulcorada comedia romántica de siempre –que le den a Jennifer López– y prepárate un antiácido porque es de ese humor que te puede incomodar tanto hasta hacerte llorar, y no tanto de la risa.

Dato Curioso: Se trata de la comedia clasificación R más taquillera de todos los tiempos, superando a Sexo en Nueva York, con 169,106,725 US DLL en su haber. Y como dato cute: Melissa McCarthy (Megan) y Ben Falcone (Air Marshall Jon) son marido y mujer en la vida real.

PD. Señores que mal gusto eso de regalar 'animales' en una cena de compromiso, o despedida de soltera o boda en sí misma. Que vergüenza que Hollywood se preste para promocionar y poner de moda una práctica tan deplorable. Entiéndanlo: los animales no son objetos, no se regalan animales.

Medianoche en París

Medianoche en París (Midnight in Paris, USA, 2011) comedia fantástica romántica, en ese orden, escrita y dirigida por Woody Allen quien está rompiendo la liga con la sátira con Conocerás al hombre de tus sueños o reinventando el drama como Vicky Cristina Barcelona .

Ganador Best Original Screenplay de 2012 Critics' Choice Awards.

Encantadora.

¿Sabes qué es una delicia? Que un film sea inesperado, que te tome por sorpresa, que te deje estupefacto. Y eso ya casi nunca pasa por culpa de las reseñas spoileras que describen aquello del argumento, la historia, los personajes. Trataré de no estropearte la experiencia.

A Woody Allen lo amas, lo odias o quieres entenderlo. Desde Match Point quiero entenderlo, antes lo odiaba. Este tipo tiene una capacidad increíble para reactualizarse; seguir siendo el mismo culto, neurótico, insatisfecho e incomprendido adulto contemporáneo, atrapado entre la comedia y el drama, y abordar desde distintos ángulos las viejas angustias humanas.

Supondré aquí que amas o quieres comprender a Allen, porque si lo odias no vas a ver el film y punto. Te recomiendo pases a la reseña siguiente. Si lo amas no te voy a echar a perder la experiencia contándotela ni revelándote su trama, no leas ni una sola reseña antes de verla.

Si quieres entender a Woody Allen puedo darte mi punto de vista: tienes que saber que él es agudo, imaginativo e inteligente, terriblemente inteligente, lo que resulta generalmente en algo muy divertido (molesto o fastidioso, depende); que siempre está en sus film representado por un alter ego, que es un soñador, que sus fantasías parten de incómodas realidades, que son agridulces porque la vida, la verdad, está llena de decisiones erradas, decepciones y desengaños, pero sin embargo tenemos la nostalgia, los ídolos, los sueños por cumplir y el psicoanálisis.

Londres fue el escenario para un asesinato (muy inglés) Barcelona enmarcó pasiones encendidas (muy latino) y ahora está París. ¿Qué es Paris para el mundo? Romance y Cultura.

París funge como principal protagonista en el estado inicial, que es suficiente para enamorarnos de ella por su belleza cosmopolita y bohemia, por ser considerada no sólo la capital del romance sino de muchos movimientos culturales, por estar impresa en el inconsciente del mundo occidental como un destino que no podemos dejar de visitar antes de morir.

Siempre lo he dicho: ‘ La mejor manera de conocer una ciudad nueva es perderse.’ La historia es tan sencilla como lo sería un cuento corto, pero las imágenes: escenografía, locaciones, fotografía, mobiliarios, vestuarios son un dechado de excesivo lujo, en el que una constelación de excepcionales intérpretes dan vida a hitos parisinos.

¿Por qué ver ésta película? Porque amas la cultura, porque siempre has tenido un sueño o nostalgia por algo. Porque no puedes creer que Owen Wilson te pueda hacer sentir algo. Porque un amigo intenso pensó que esto era lo más ligero de Woody que tolerarías.

Dato Curioso: París era una fiesta (1964) es una novela póstuma autobiográfica de Ernest Hemingway sobre las vivencias del autor y su círculo de amistades durante los años 20 en París. Digo, leerte un libro no te va a matar.

Loco y estúpido amor

Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love; USA, 2011) dramedia dirigido por Glenn Ficarra

John Requa directores nada más y nada menos que de Philip Morris ¡Te amo!

Este film dura dos horas. Me cuesta aceptar que ahora todas las películas duran dos  horas. ¿Por qué?  Hay historias que no necesitan dos horas… en fin, Loco y estúpido amor es una cosa durante la primera hora en la que plantea un drama, patético y triste con algo de ingenuidad y humor. La primera escena es predecible hasta la embolia. Denle una oportunidad.

En la segunda hora Loco y estúpido amor desarrolla una disparatada comedia de enredos. Es del tipo de historia que va de que fulano ama a zutano, pero zutano ni se entera que existe fulano porque realmente ama a perencejo, y resulta que perencejo no es de la misma orientación sexual que zutano, y así vamos.  

Tiene ese formato de varias historias simultáneas que es ya todo un género como  Love Actually (2003) y Valentin´s Day –que recuerde de momento y cabe destacar que son mi ‘tipo’ de película romántica preferida– en que reúnen a una serie de actores pesados junto a actores tendencia o revelación.

Steve Carell sigue pegado en su personaje de Virgen a los cuarenta, este hombre adulto, dulce, responsable, buen compañero y padre pero lo bastante insípido como para matar la pasión en la brevedad de un saludo introductorio. (Por favor Carrel búscate un papel que te saque de tu zona de confort)

Julianne Moore nació para el drama, así que ella se le percibe incómoda en la situación cómica, como a Kevin Bacon, lo que le da al asunto cierta veracidad. Sus vidas son un chiste negro pero ellos no son comediantes. Esa tensión da mucha risa.

Emma Stone es una natural, ella misma es una celebración de gestos y posturas que hacen parecer que todo lo que hace es espontáneo y no hay un guión detrás de ello.

Ryan Gosling es un cuadrangular con las bases llenas: es un actor de pe a pa, capaz de transmitir alegría, tristeza e indiferencia, perfecto para el papel de quien descubre la diferencia entre intimidad y sexo deportivo. Además… está demasiado bueno, y una película romántica necesita que alguién esté bueno, y definitivamente ese no iba a ser Steve Carell.

Junto a los adultos se encuentra la representación de jóvenes generaciones que aportan a la problemática del amor su propia circunstancia: amar a alguien mayor.

‘Cuando conoces a tu alma gemela nunca te rindes’ pero si te olvidas del amor propio y te descuidas a ti mismo, pues mira ni aunque le metas empeño de acosador a la cosa. Moraleja: el amor tiene que ser sexy y divertido incluso en un romance de 40 años.

¿Por qué ver esta película? Porque te apetece una de amor y aquí tienes un montón de clichés simpáticamente bien organizados que resultan en una muy agradable segunda hora de película.

Dato Curioso: ¡¡¡No vean el tráiler!!! Tienes todo mejor de la peli.

Quiero matar a mi jefe

Quiero matar a  mi jefe (Horrible Bosses, USA, 2011) Comedia buddy movie dirigida por Seth Gordon director del curioso documental The King of Kong sobre Récord Guinness del videojuego Donkey Kong.

Tras el éxito del humor disparatado de The Hangover está Horrible Bosses.

¡Hilarante! Sencillamente una pasada de puro humor irreverente, ácido y negro. Tiene lo de siempre en las comedias gringas: lenguaje soez, drogas ilícitas, exposiciones deshonestas y violencia; situaciones exageradas, absurdas y crueles para retorcerte de la risa a gritos.

¿Haz escuchado anécdotas o tenido un jefe realmente insoportable, de esos que hacen que los estudios sobre mobbing sean pura teoría inocua? ¿de esos que hacen que su maldad sea la agenda del día y tu sufrimiento el único resultado que puedas en el trabajo? ¿de esos que te hacen sentir que estás atrapado y sin salida en una que vida no vale la pena? Y renunciar no es una opción. ¿de esos que te imaginas cómo muere o lo matas? Bueno así.

El casting de esta película es una delicia comenzando por los villanos: el jefe psicótico, desconsiderado, celópata y explotador es Kevin Spacey, quien tiene un papel similar en Swimming With Sharks; Jennifer Aniston, quien está absolutamente divina de morena mala, es la jefa abusiva y acosadora de esas que pasan los límites… incluso los de la ropa; y el irreconocible Colin Farrell es el jefe incompetente, desubicado, oportunista, déspota, caprichoso, inestable y adicto a las drogas.

Por su parte los antihéroes son una panda de conformistas frustrados, que serán unas hojilla en sus puestos de trabajo pero planificando un crimen dan asco. Jason Bateman haciendo de él mismo, Charlie Day una revelación como el pasivo-agresivo en la cinta y Jason Sudeikis ocupando el cargo del imbécil integral. Acompañados por el dudoso asesino Motherfucker, Jammie Fox.

¿Por qué ver este film? Para conocer qué tipo de jefe tienes: psicótico, explotador, acosador o maniático y saber que no estás solo.

Dato Curioso: ésta película está repleta de referencias contemporáneas como El hijo de Kong, Pacto, El Satánico Dr. No,  Cupido Motorizado, ¡Scooby-Doo, Dónde Estás!, El Padrino, The Oprah Winfrey Show, Tira a mamá del tren, Strangers on a Train, Acusados, Law & Order, Mente indomable, X-Men, Arrested Development, Colgados en Filadelfia, y Gossip Girl.

Adele y el misterio de la momia

Adele y el misterio de la momia (Les aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec, Francia 2010) Comedia de fantasía, aventura y acción dirigida por el fabuloso Luc Beson, adaptada por Jacques Tardi mismo autor del comic homónimo.

Talla DD = ¡Deliciosa y Divertida!

Adaptación cinematográfica del comic del mismo nombre, y según cuentan un referente al género europeo. En la historieta, la protagonista, Adèle Blanc-Sec es una escritora freelance con inclinaciones detectivescas, que en el París de principios de siglo XX se empeña en enfrentarse a los casos más extraños que puedan imaginarse.

En el film la extraordinaria Adele es una simpática y vivaz versión femenina de Indiana Jones. Mientras ella está en Egipto buscando cierta momia, en París hay un pterodáctilo aterrorizando a la ciudad e impidiendo que un inspector pueda tener un almuerzo en paz, cabe destacar que es el año 1912.

Por su parte Beson al parecer se está dedicando a hacer buen cine para gente joven, lo que de verdad se agradece, para mayores referencias revisar la saga  Arthur y los Minimoys y todo lo que le sigue que son tres películas más dirigidas también por el francés.

Pecado: es confusa, ligera, rápida, tiene muchos personajes y casi no conocemos bien a Adele, pero como propaganda para el cómic está buénisima ¡el que quiera más que se faje y lea caray!

¿Por qué ver ésta película? Porque es de Luc Beson ¿por qué más? Porque es ‘entretenida’ una produccionsota, un colirio visual, bellísima. En fin, para que le presuman a alguien que ven cine francés.

Dato Curioso: se piensa en una trilogía para Adele, y Beson no es de los que se acojonan si les sale mala taquilla.

Plan B

Plan B (The Back-up Plan, USA, 2010) comedia romántica insustancial mediocre, y edulcorada hasta la diabetes, dirigida por Alan Poul solo para poner en la pantalla a Jennifer López.

Jennifer López con una voz aguda y melosa, actuando como una adolescente salvaje y maleducada; toma las riendas de su vida (y hace una película para relanzar su carrera como actriz), prescinde de la búsqueda del  hombre ideal y se implanta un hijo en el vientre.

Así es señores, ¡no los necesitamos! Ya no se preocupen por ‘entender lo que las mujeres queremos’ y si somos tan complicadas ya no es problema.

Zoe me pareció un personaje con el que me identifiqué mucho. Es una realista impaciente. Ha roto con cuanto pretendiente se le ha puesto en frente y ya no es que perdiera la esperanza de encontrar al amor de su vida, sólo decidió no esperar más al amor de su vida para tener su vida.

Justo lo que todas deberíamos hacer ya, porque en ese momento todo fluye.

Aunque no puedes planear la vida y esperar que salga exactamente como lo decidiste.

Para bien Zoe se topó con el amor de su vida; pero la desconfianza es un hábito difícil de dejar, y muy pocos hombres la toleran bien…

¿Por qué ver ésta película?  Para desconectarte el cerebro y mandar a dormir al inteligente e inteligente de uno mismo. Las escenas de Alex O’Loughlin sin camisa merecen el costo de la renta de la película. Los únicos momentos realmente graciosos aparecen con Anthony Anderson.

Dato Curioso: Director y Guionista provienen del medio televisivo. Alan Poul no es un director descartable tiene en su haber episodios de Six Feet Under, Rome y Big Love.

The Troll Hunter

The Troll Hunter (Trolljegeren, Noruega, 2010) André Øvredal. Falso Documental de ficción/fantasía oscura.

Si quieres salir de tu zona de confort en cuanto a películas  The Troll Hunter es una excelente opción para ‘estimular tu sentido de la maravilla’ y ampliar tu campo de percepción del séptimo arte.

The Troll Hunter es totalmente inesperada. Su mayor atributo es que es de esas películas que te dejan anonadado sin saber qué pensar. Otras personas más conservadoras puede que le den un portazo en la cara y no acaben de ver.

La historia es original y simple, se devela en los primeros 5 minutos de la película, hablar de la trama no es más que hacer spoiler y quitarle el poco misterio que tiene, me niego hacerlo.

¿Por qué ver  The Troll Hunter? Los efectos especiales y montaje son una delicia. Buenos paisajes, grandes fotografías, excelentes localizaciones:  una experiencia visual.

Dato curioso: Universal Pictures se ha quedado con los derechos y pronto iniciará la preproducción.