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lunes, 27 de mayo de 2013

Sin Tregua



Sin Tregua (End of Watch, USA, 2012) thriller policial de acción y drama, escrita y dirigida por David Ayer, mismo director de Día de entrenamiento (2001) con Denzel Washington y Ethan Hawke, del primer Rápidos y Furiosos (2001) y Vidas al límite (2005) con Christian Bale, Freddy Rodríguez y Eva Longoria.

Este film se muestra como un falso docu-reality protagonizado por Jake Gyllenhaal y Michael Peña, quienes encarnan a Zavala y Taylor, dos patrulleros de South Central de la ciudad de los Ángeles. Este par tuvo una química tanbuena en el film que la mayoría de las bromas que se gastan en sus diálogos fueron improvisadas por ellos.  Para lograr este verdadero matiz policial patrullero Jake Gyllenhaal y Michael Peña pasaron cinco meses acompañando a oficiales de policía de Los Ángeles durante 12 horas de guardia. En el primer viaje de Gyllenhaal, tuvo la desagradable experiencia de ser testigo de un asesinato real.

Aunque de verdad no soy fan de las películas found-footage ésta tiene un corazón muy grande que late fuerte a través de todas sus desavenencias: como una débil estructura argumental, una pretensión de excesiva originalidad basada en formatos y formas, un extraño coqueteo con el humor de meteduras de pata –es imposible no pensar en qué mala leche hay que tener para escoger los llamados más ligeros y acabar en broncas con bandas de negros, mexicanos y mafia al mismo tiempo–; la incoherencia visual de querernos convencer de que es más descarnada, violenta, real y cruda por la cámara en mano pero nos contrabandea  planos aéreos de la ciudad, escenas granuladas y ángulos que no provienen ni a balazos de la cámara en mano -¿por qué nos quieren ver la cara?, eso es una falta de respeto, si la vas a hacer cámara en mano friégate con lo que elegiste-.

No sé si las tomas First Person Shooter son una debilidad o una fortaleza en este film, me reservo el voto, simplemente me parece mucho con demasiado. En general me parece un armado complaciente, me los imagino sentados en la mesa hablando de cómo la iban a hacer y todos como niñitos emocionados diciendo: “Sí, sí y entonces ponemos al cámara en el cañón de la escopeta” y el otro “Sí, sí pero necesitamos una escena espiritual, vamos a hacer una toma desde la azotea.” ¿Dónde están los editores con sentido común cuándo se los necesita?

La cosa es que a pesar de todas las críticas justificadas Sin Tregua  tiene un 85% de frescura en el Tomatómetro 85%, un 87% de satisfacción para la audiencia de Flixter y un decente 7.6  en IMDB.

¿Por qué ver Sin Tregua? Porque nadie te advirtió que era cámara en mano y porque a pesar de esto, Ayer como guionista tiene el don de retratar lo humano y regalarnos una “cebollera” historia de fraternidad y hermandad: “Detrás de la placa tengo un corazón, igual que tú”. –que en mi opinión lo mismo se da entre patrulleros de policía que entre dos panaderos, eso es lo humano del asunto–.

Dato Curioso: Los personajes principales de la película están basados “libremente” en la vida real de los oficiales LAPD Charles Wunder y Jamie McBride, compañeros en la División Newton a mediados a finales de los 90.





lunes, 4 de febrero de 2013

Django desencadenado


Django desencadenado (Django Unchained, USA, 2012) Western de aventura, drama y romance, escrito y dirigido por Quentin Tarantino, estelarizado por Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington y Samuel L. Jackson.

Diox ayúdame a ser objetiva con esta reseña, porque desde los trailers falsos, hasta los afiches de época me enloquecen de fascinación. Amén.

El género de Tarantino es el homenaje y en esta oportunidad le tocó al spaghetti western. Quentin Tarantino es un nostálgico, una academia sobre el cine en sí mismo, un maestro de la reactualización y la reinterpretación pop de los clásicos. Tarantino es un experto en lo que le gusta, y ha traducido las películas que más le han gustado a su propio lenguaje, a su propia historia.


La historia de Tarantino es principalmente sobre la venganza, en cualquiera de sus formas y por cualquier motivo –al fin al cabo una vez iniciada la venganza ¿importa el motivo?-.
En esta oportunidad Quentin revisita la película italiana de 1966 llamada Django, dirigida por Sergio Corbucci y protagonizada por Franco Nero, quien hace un cameo especial en la versión tarantinezca; y saca de ella Django desencadenado, un “southern”  según Tarantino, una historia muy pintorezca repleta de guiños al cine, en la que se conjuga en dentista inmigrante alemán venido a cazador de recompensas, un esclavo liberado, un esclavista sádico y una esclava por la que se treparía la montaña más alta y se mataría a un dragón.

Como es frecuente en los films de Tarantino, Django desencadenado tiene al menos dos capítulos: un prólogo en el que el Dr. Schultz consigue lo que quiere y la segunda donde Django consigue lo que quiere.  También podemos llamar frecuente a la presencia de abundante violencia explícita. Si una vez dije, y sostengo, que Park Chan-wook  hace de la brutalidad y la violencia un arte, Tarantino hace de ella un aparato lúdico. Sí, admítanlo sin pena: ¡las palizas y el sangrero en las películas de Tarantino son divertidísimas! Salvo una excepción: la escena de los perros y la de los luchares. ¿Por qué Tarantino haría una excepción? Porque no todo es alegría y muchachada, el autor/director también sabe cómo meter de contrabando una crítica social (recuerd Bastardos sin gloria), aunque a la crítica le haya tomado 150 años en llegar. Y, por supuesto, la parodia negra tampoco ausenta en esta ocasión.

Django desencadenado tiene cinco nominaciones a los Oscar 2013, Mejor Película, Mejor Guión Original, Mejor Actor de reparto para Waltz y Mejor Fotografía para Robert Richardson, habitual colaborador de Tarantino, está nominada a los Oscar 2013 por transmitirnos estado emocional de los protagonistas de la película con sus tonos cálidos.

¿Por qué ver Django desencadenado? Porque si no te gusta puedes cerrar los ojos y dejarte llevar por su banda sonora con temas de Rick Ross, James Brown, John Legend y Ennio Morricone entre otros. Para que puedan apreciarlo aquí les dejo soundtrack comentado por el mismo Tarantino, en una entrada del Blog El Tributo.

Dato curioso: Parafraseo de la nota de Extracine <<Retiraron las figuras de acción coleccionables de Django desencadenado porque a una parte de la comunidad estadounidense le parece que la película y Quentin Tarantino son racistas e irrespetuosos con la comunidad negra. En diciembre 2012 el cineasta Spike Lee declaró: "la esclavitud americana no fue un 'spaguetti-western' a lo Sergio Leone. Fue un holocausto. Mis ancestros son esclavos, robados de Africa. Les tendré respeto". <- Django ha recaudado 130 millones de dólares; lo que la convierte en el mejor estreno de Quentin Tarantino en toda su carrera.>>

domingo, 3 de febrero de 2013

Argo


Argo (USA, 2012) cine político: suspenso y drama histórico adaptado de la novela autobiográfica The Master of Disguise escrita por Tony Mendezy y del artículo Escape from Tehran escrito por Joshuah Bearman, guión de Chris Terrio, dirigida por Ben Affleck (The Town. Ciudad de ladrones y Gone Baby Gone).

Argo es entretenida, larga e increíblemente gringopatriótica que versa sobre seis norteamericanos que huyen de la toma de la embajada americana en Teherán por seguidores del Ayatolá Jomeini y se ocultan en casa del embajador de Canadá,  en 1979. Todo eso pasó en la vida real.

Posee un digno 96% de Rotten Tomatoes, 93% de Flyxter y 8.1 en IMDB, suficientes credenciales para hacer de la película una buena recomendación.

Los aspectos más sólidos de Argo  son, su amor al cine, que a pesar de que ya sabemos el desenlace de la historia nos mantiene sosteniendo el aliento y al borde del asiento hasta que termina; la puesta en escena histórica es magnífica: iniciando con partes documentales de un momento histórico; los peinados, la vestimenta y la decoración de los setentas y un casting hecho a imagen  y semejanza de los verdaderos protagonistas; y los aspectos técnicos como fotografía (del mexicano Rodrigo Prieto, quien al igual que Affleck está injustamente fuera de las nominaciones), edición, dirección artística y banda sonora son excelentes.

¿Por qué ver Argo? Porque es una fascinante reactuación de un hecho histórico que dura dos horas con gran presupuesto y casting. Además está nominada a mejor película para los Oscar 2013, la nominación al director brilla por su ausencia, aunque ya ha sido premiada con los SAG´s

Dato Curioso: El personaje de Jack Kirby, el artista de los bocetos para la falsa película Argo, es el mismo Jack Kirby que fue pionero de la industria del cómic americano y un co-creador de personajes como el Capitán América, Iron Man, Hulk, Silver Surfer, Los Vengadores, Los Cuatro Fantásticos y los X-Men. Kirbym efectivamente, creó el storyboards para la adaptación de la novela “Señor de la Luz”, de Roger Zelazny, que fue utilizada como "prueba" de la producción de Argo en el rescate de los americanos en Teherán.

Bonus: El famoso cartel de Hollywood comenzó su vida como Holywoodland, pero cayó en desagracia y requirió recibir muchas donaciones para alcanzar su grandeza actual. Una de esas donaciones fue de la estrella del Heavy Metal Alice Cooper, quien pagó por la restauración de la  ‘tercera’ o en memoria de Groucho Marx.

miércoles, 23 de enero de 2013

Jee-woon Kim



Hoy pregunté, ¿por qué demonios querría alguien ver The Last Stand con Arnold Schwarzenegger? y me dieron una razón rebuena: es la primera incursión hollywoodense como director de  Jee-woon Kim, quien tiene en su cuenta el guión del film de horror Presencias extrañas (The Uninvited, USA, Candá, Alemania, 2009)

Resulta que de Jee-woon Kim tenemos una historia de horror/amor con Dos Hermanas, un western psicodélico hilarante con El Bueno El Malo y El Raro, un thriller suspense inmisericorde con Encontré al diablo y una elegantemente sobria y soberbia historia sobre un matón de élite a la orden de la mafia Coreana en A Bittersweet Life.

Dos Hermanas (Janghwa, Hongryeon, Corea del Sur, 2003) thriller dramático de horror que me produjo sensaciones extrañas: no terminé con la emoción que esperaba de la experiencia, sino con el cuerpo cortado de pena. 

No se trata de la típica película de horror; de hecho yo la calificaría en primera instancia como un drama, el horror es como secundario. En cuanto al horror hay una galería visual muy original. El gran fuerte de esta película es su belleza visual, es así: una película de horror que es un placer ver del puro arte, buena dirección y fotografía que tiene.

A Bittersweet Life (Dalkomhan insaeng, Corea del Sur, 2005) thriller de acción, crimen, venganza y drama. 

No es la que más me ha gustado de Jee-woon Kim pero es sólo un asunto subjetivo porque es intensa y hermosa. Ideal para aquellos que gustan de filmes de la mafía con códigos de honor y cosas así. Posee todos los atributos visuales de Dos hermanas a la que se le suma discretamente una violencia salvaje que sólo podremos ver en su cenit en Encontré al diablo.

Tendrá un remake gringo a dirigir en debut por Allen Hughes, guionista de Invictus (Clint Eastwood, 2009) y Sherlock Holmes (Guy Ritchie, 2009).

El Bueno, el Malo y el Raro (Joheunnom nabbeunnom isanghannom, Corea del Sur, 2008) Western coreano.

Si un italiano hace un western se le llama spaghettiwestern, si un coreano hace un western ¿se llama sushi western? El Bueno, el Malo y el Raro es el remake de la película de Sergio Leone Il Buono, il brutto, il cattivo de 1966.

Es un fiestón de film, desde el inicio di palmaditas y brinquitos de gusto: tiene unas secuencias de acción ¡placenteramente largas! La banda sonora es digna de las películas de Quentin Tarantino, de hecho hay un track que coincide con Kill Bill I. El uso de cámara te recuerda al virtuoso de Fincher con sus tomas eternas sin cortes que traspasan mesas, sillas, pisos y hasta paredes que emulan a su vez al maestro Alfred Hitchcock. Hay secuencias de acción que ya quisiera Guy Ritchie poder concebir, como por ejemplo la persecución sobre los techos en el Mercado Fantasma.

En cuanto a las caracterizaciones, el irresistible papitomirey de Lee Byung-Hun (actor fetiche de Jee-woon Kim) se luce haciendo un papel de malo maluco malucototote, con mucho estilo y clase. Kang-ho Song como el raro (el actor fetiche de Joon-ho Bong y de Chan-wook Park, ya saben: The Host, Memorias de un Crimen, Old Boy, Simpatía por Sr. Venganza) Estoy enamorada de este hombre y sus caracterizaciones, tiene un don para expresar físicamente lo más patético del ser humano: el humor en el drama, la maldad inconmensurable disfrazada de imbecilidad, ternura en la idiotez. Este hombre con su cara de plato con ojos es sencillamente inigualable, un actor como ningún otro. Y finalmente, Woo-sung Jung, otro hermoso coreano perfecto para el papel del bueno.

Dato curioso: El Bueno, el Malo y el Raro se fulminó un presupuesto de 10 millones de dólares, y puedes ver cada centavo en acción. Los efectos especiales son tipo old school con maquetas, no se ve ni una sola cochina digitalización ¡DIVINA!

Encontré al diablo (Akmareul boatda, Corea del Sur, 2010) es una  thriller de horror, drama y venganza que ganó Mejor Película en Stiges 2010.

Si son asiduos al cine asiático estarán de acuerdo conmigo en que los de Corea nos muestran villanos de una crueldad intolerable y unos policías bastante inefectivos. Encontré al diablo reafirma mi hipótesis.

Las trama la desarrollan dos personajes que se envuelven en una inescrupulosa persecución donde se confunden entre sí en un duelo sin tregua de brutalidad visceral. Uno es un policía que busca justificada venganza, el otro es un asesino en serie que no conoce los límites de la maldad.

Visualmente es inmisericorde, explicita, violenta y sádica -sin ven la versión sin censura: dense por advertidos-.

El título le va de perlas, porque no puede sino encontrarse al diablo cuando el dolor te empuja al abismo de la locura y te ves a ti mismo haciendo cosas de las que no crees que seas capaz ni el mismo lucifer.

Yo metería todas sus películas en mi estantería de films esenciales, porque el virtuosismo con que Jee-woon Kim  nos regala una diversidad de historias y géneros se agradece.

domingo, 13 de enero de 2013

Una aventura extraordinaria


Una aventura extraordinaria (Life of Pi, USA, China y Taiwan, 2012) Aventura dramática dirigida por el magnífico Ang Lee, director del El Tigre y El Dragón, y del espectacular corto para la firma BMW llamado ‘Chosen’; tres veces nominado al Oscar 2013 y hasta ahora ganador de una por Secreto en la montaña.  Protagonizada por el debutante Suraj Sharma y el veterano Irrfan Khan.

Para sobrevivir debes alimentarte a ti y a la fiera, la fiera hará lo que sabe y puede hacer, el hombre debe aprender a contenerla y dejarla ir, aunque sepa que sin la fiera jamás hubiese sobrevivido. “¿Qué hay hoy en el menú para el almuerzo? y ¿qué puedo hacer para asegurarse de que no soy yo?” Desde mi relación con la fiera, así entiendo Vida de Pi.

Confieso que tenía grandes reservas con la adaptación cinematográfica de Vida de Pi, pues es una de mis novelas favoritas de la vida, es de esos relatos que se te enredan en el tuétano y no te sueltan nunca más, así de bueno es.  Para paz de todos, el mismo autor de la novela, Yann Martel, estuvo involucrado con el screenplay.

El resultado es simplemente perfecto, una adaptación exacta. Es evidente que la objetividad de mi reseña está en claro cuestionamiento aquí: ¡Me encantó!

Una aventura extraordinaria cuenta con el 90% de la aprobación de los usuarios de Flixter, está 89% certificada como fresca, según Rotten Tomatoes y la exigente crítica de IMDB la califica con 8.3. No podemos estar todos equivocados: ¡Es magnífica!

El apartado audiovisual destaca por sobre todo en Una aventura extraordinaria, filmada en 3D con asesoría del equipo de James Cameron, una fotografía sobrecogedora de mano del chileno Claudio Miranda (El curioso caso de Benjamin Button, Tron: Legacy) y con un presupuesto de 100 millones de dólares. A pesar de ser positivo, este es el mayor argumento en contra que han encontrado los críticos, que la experiencia visual se sobrepone a la emocional.


Temo, tener que reconocer que tal vez sea así, yo ya llevaba la experiencia emocional conmigo y las imágenes nítidas y profundas coincidieron perfectamente. Sin embargo, conversando con una audiencia exclusivamente cinematográfica noté que pasaron por alto muchas sutilezas de la historia, así que sí, algo le falla a la historia. No sé qué.

Ciertamente no falla la música, a cargo de Mychael Danna, quien acaba de recibir el Globo de Oro 2013 por su trabajo en el film.

Una aventura extraordinaria se presenta, en cualquiera de sus formatos, como "Una historia que te hace creer en Dios". Hay una fórmula, una explicación teórica de la creencia de aquello que no puedes probar, se llama salto de fé.  De eso se trata esta historia, de darnos cuenta de lo que realmente decidimos hacer para ‘creer’ aquello que más nos acomoda –cualquier cosa–;  por eso es una maravilla visual, porque la narrativa misma está en las imágenes: lo vemos, pero no lo estamos viendo.

Coinciden varias críticas en que el prólogo está largo e irregular. Yo no entiendo, precisamente todo eso que está antes, eso que queda atrás, ¿olvidado?, aquellos que yace en los fundamentos es lo hace posible la sobrevivencia de Pi.

¿Por qué ver Una aventura extraordinaria? No vas a salir de la sala creyendo en Dios, si de entrada no lo hacías; pero quizás te caiga uno que otro veinte sobre la sobrevivencia, el conocerse a sí mismo, la culpa, el remordimiento, el perdón y el amor; todos elementos presentes en cualquier religión, y en la psicología misma de la estructura del yo. Es una de esas películas de que vuelves a hablar dos semanas o tres meses después de verla, porque todavía la estás pensando.

Dato Curioso: Richard Parker es 100% digital ¿pueden creerlo?.


Este film estuvo a punto de ser dirigida por M. Night Shyamalan, Alfonso Cuarón y Jean Pierre-Jeunet y con los guionistas Dean Georgari y Guillaume Laurant.

Bestias del sur salvaje



Bestias del sur salvaje (Beasts of the Southern Wild, USA, 2012) Drama fantástico, primera obra bajo la dirección de Benh Zeitlin y realizada en su totalidad por amateurs desde los técnicos hasta los actores; protagonizado por la pequeña, y ya nominada la Oscar 2013, Quvenzhané Wallis como Hushpuppy.

Por su debut Zeitlin fue reconocido con la Cámara de Oro del Festival de Cannes.

Este film es la lanza de batalla del cine independiente este año. Bestias del sur salvaje obtuvo su primer reconocimiento en el Festival de Sundance con el Gran Premio del Jurado y el premio Mejor fotografía para Ben Richardson; lo que le valió la distribución de Fox Searchlight, la parte más difícil para una película independiente y de bajo presupuesto –no se gastaron ni dos millones de dólares en su filmación–.

El tomatómetro le da 86%, la audiencia de Flixter 80% (me fio más de los flixterianos) e IMDB le da un conservador 7.5

Bestias del sur salvaje está inspirada en la obra de teatro "Juicy and Delicious" escrita por Lucy Alibar, quien también trabajó en su adopción cinematográfica.

La crítica la encuentra visceral y alegre, poética, onírica y brutal, y yo no puedo estar en desacuerdo, es así, sólo que esa mezcla no funciona para mí, se pierde la intención. ¿Es un drama que nos muestra cómo sobrevive la mente infantil a situaciones extremas?, ¿es la fábula de una primitiva y poderosa bestia salvaje atrapada en el cuerpo de una pequeña?.  Lo siento, soy dicotómica y maniquea, o es una cosa o es la otra, no me gustan los gatoliebre argumentales. Seguro hay una buena explicación piscopedagógica para todo esto, que a mí no me llama la atención saber. A Melanie Klein esto le hubiese encantado.

En mi opinión Bestias del sur salvaje deja escuchar alto y fuerte el latido de su corazón dramático pero se le enredan las patas con la fantasía. Plantea un realismo mágico pero no conquista lo fantástico. Su debilidad es la carencia de enfoque narrativo.


Por otra parte es una excelente película desde el punto de vista técnico: ¡la cinematografía y el diseño de producción son brutales! Sobre todo si recuerdan que el equipo no tenía experiencia anterior.

¿Por qué ver Bestias del sur salvaje? Para no perder de vista a Quvenzhané Wallis, nominada a Mejor Actriz en los Oscar 2013, con tan solo 9 años. No se confundan: ella tomó el proyecto de la película con apenas 5 años de edad en el año 2008. Su siguiente film fue con el director Steve McQueen y se llama Twelve Years a Slave.

Dato curioso: olviden a los Uros, fíjense en la metáfora que hay en cruzar el agua en una barca de alguien llamado Charon para llegar a los Campos Elíseos… ¡Hermoso!

viernes, 4 de enero de 2013

El atlas de las nubes


El atlas de las nubes (Cloud Atlas, USA, 2012) Misterio postapocalíptico sci-fi dramático adaptado de la novela homónima por Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski.

Cabe destacar que no he leído el libro –me informan por cierto que es complejo y fantástico –; así que mi opinión es puramente desde mi experiencia en la butaca en la que me pasé tres injustificadas horas.  

El atlas de las nubes es un fetiche autosatisfactorio de Tykwer y los hermanos Wachowski, un ambicioso trabajo de adaptación cuyo guión es sólido y visualmente poderoso, pero la experiencia en sí es confusa y agotadora.

La historia reúne varias narraciones simultáneas (y reiterativas), que bien podrían resumirse en la frase “Nuestras vidas no nos pertenecen. Estamos atados unos a otros en pasado y presente. De cada crimen que cometemos, de cada acto de bondad nuestro nace nuestro futuro.” (de Una Letanía de Sonmi ~ 451)

Los directores de El atlas de las nubes dirán "Componer es una cruzada. A veces se mata al dragón. Y alguna vez el dragón te mata a ti." (de Cartas desde Zedelghem)

Y cito: “El resultado es un desequilibrio sumamente peculiar de fondo y de forma, como una tarjeta de Hallmark escrito por David Foster Wallace.” Christopher Orr, editor y crítico de cine director del The Atlantic

La historia de El atlas de las nubes podría sostenerse sobre frases de los personajes en diálogos aislados, cosa que es más que magnifico para escribir una intrincada novela, pero no suficiente para hacer una película. El cine como formato narrativo no puede contar en un lapso aceptable (ni convirtiendo la historia en trilogía, ¡por los mil demonios Peter Jackson!) un cuento que implica 6 historias, que van de 1849, a 1936, 1973, 2012, 2144 hasta 2321, mezclando drama, romance, thriller, comedia y ciencia ficción; en el que además participan los mismos actores haciendo distintos* personajes. Técnicamente impecable pero, ¡no!

Sin embargo, no todo está perdido, al menos según IMDB, El atlas de las nubes está calificado con un digno 8.0. Rotten, no tan benevolente, la califica con 64% y la buena gente de Flixter le da un 74%

Tengo una amarga queja respecto a la traducción que viví en una sala de cine: 1) no es un publicista, es un editor 2) no es jabón, es sopa. Ese par de sutilezas pueden amargar tanto. Los chicos de ‘Difunde la palabra’ subtitulan mejor.

¿Por qué ver El atlas de las nubes? Por lo mismo que pudieras creer en Dios: un salto de fe. “El miedo, la fe y el amor son fenómenos que determinan el curso de nuestras vidas. Estas fuerzas existen mucho antes de que hallamos nacido y continuarán mucho después de que perezcamos.” (de Medias vidas: El primer misterio de Luisa Rey)

Dato curioso: La novela escrita por, está inspirada Si una noche de invierno, un viajero de Ítalo Calvino.

martes, 23 de octubre de 2012

Búsqueda implacable 2


Búsqueda implacable 2 (Taken 2, Francia, 2012) Thriller de acción criminal menos brutal que la primera entrega, dirigido por Oliver Megaton (El Transportador 3, Colombiana, etc.).

Escrita por Luc Beson, un tipo que tiene en su haber películas maravillosas como Arthur y los Minimoys, film para niños; Rios de Color púrpura, film de terror; La femme Nikita pura acción asesina; El Profesional más acción asesina y Taxi Express, una película que redefinió la persecución automovilística. Otros un poco… excéntricos como El quinto elemento, Wasabi, Danny the dog, Angel-A y Adele y el misterio de la momia. Finalmente, películas infames como Taken 1, todas las secuelas de Taxi, de hecho todas sus secuelas y Juana de Arco. Pues, tiene el hombre de todo y para todos y ya anunció que escribirá Taken 3.

La segunda entrega de Taken  es para fanáticos de Liam Neeson [lo amo desde Love Actually] que disfrutan ver a este viejo de 62 años rociando balas y dando manotazos que aplastan gente, todo con una calma fría e imperturbable. Y con esa misma calma mandó a volar Taken 3

Aunque Búsqueda implacable 2 lidera la taquilla americana, por falta de un digno competidor hasta que llegue Argo, el tomatómetro la tiene mega podrida y ni la buena gente de Flixster la perdonó.

Dicen que Taken 1 fue un éxito. A mi me dejó traumada por la brutalidad criminal con que expone la trata de blancas, el hecho de que Neeson iba dejando una estela de cadáveres a su paso y absolutamente nada se impusiera y la escena final tipo “¡Papi, ahora quiero ser cantante!”. Sus niveles de obscenidad violenta con idiotez degenerativa le valieron el que viera la secuela. Digo, ¿se podía hacer peor? ¿mejor? ¿distinta? Esa curiosidad suicida de una.

Todos nos preguntamos lo mismo en las reseñas: ¿por qué demonios vuelven a Europa? ¿qué &%#$%# pasa con ellos? ¿Y van a ir a Europa a acompañar a papi que se dedica a proveer un servicio de seguridad, ósea junto a un imán de violencia? ¿en serio?.

¿Por qué ver Búsqueda implacable 2? En mi caso porque tengo pases dobles para ir al cine y se van a vencer si no los uso. Taken 2 sólo conserva de su antecesora al carismático Liam Neeson y un final estúpido; la vertiginosa y sorpresiva brutalidad de la primera se diluyó por completo en los 80 millones de dólares que se gastaron en filmar una serie de clichés mediocres del spy-movie.

domingo, 7 de octubre de 2012

Red Lights


Red Lights (USA, 2012) thriller psicológico y dramático con tintes de misterio paranormal, escrito y dirigido por el español Rodrigo Cortés. Ya saben, el único que le ha sacado una buena interpretación a Ryan Reynolds enterrándolo vivo en Sepultado. Lo que es una ironía increíble porque Reynolds se entierra solito en cada película que hace. Y que conste por escrito que adoro a Ryan Reynolds, ese muchacho tiene futuro como actor… porno.

Lo mejor de Red Lights es el tráiler. ¡Que buen tráiler! El tomatómetro la descarta con un 29%, Flixter, ese ppublico tan buena gente le da 36% y IMDB la calificó con un 6.2
A la pieza ha de concedérsele como 5 minutos de suspenso, ese suspendo que le da uno cómo espectador de ¿irá a alguna parte todo esto?. Perdónenme, pero es que yo detesto las obviedades adrede en la dirección y hay una escena  en la que **créanme esto No es Spoiler** Robert De Niro está saliendo de un avión, con lentes oscuros puestos. Pues que llega al exterior donde pega un solazo, se quita los lentes oscuros, le vemos los ojos blancos y se vuelve a poner los lentes oscuros.

¡¡¡Todo ese metraje desperdiciado para que nos traten como tarados para explicarnos gráficamente y con muñequitos dibujados que el personaje es ciego!!!*grita con furia* ¡Dios mío el personaje es ciego! ¿Por qué no utilizó Martin Brest ese recurso? (El director del Perfume de Mujer).

¿Ven? Ya saben algo nuevo de mí. Saben el momento justo en que Red Lights se fue al infierno cuando la vi. No perdono, un solo desacierto puede acabar con una peli. Estas contando con imágenes, no las desperdicies.

En cuanto al resto de Red Lights, plantea el interesante antagonismo entre el escepticismo científico racional y el misticismo paranormal de la fe y los milagros, en este caso fuera del rollo religioso. En una mano tenemos que toda reacción tuvo una acción y por lo tanto una explicación razonable y en la otra tenemos la fe ciega, metafóricamente encarnada en el personaje de Simon Silver.

Aunque aparecen otros personajes, la acción de Red Lights se centra en el trío compuesto en la Dra. Margaret Matheson, una mujer que no alberga ni la más mínima duda respecto a un algo más: no existe; Tom Buckley el asistente de la primera y Simon Silver un reputado showman con poderes sobrenaturales.

Entre ellos tres la historia nos filtra la duda ¿será que sí? Sobre todo en una emocional escena a cargo de Sigourney Weaver.  El giro, muy a lo ‘quiero ser Christopher Nolan cuando sea grande’ es bueno pero flojo por esta primigenia necesidad condescendiente de ‘tengo que explicarle al espectador qué pasó aquí’. ¡Que le corten la cabeza!

¿Por qué ver Red Lights? *se oyen  violines de chapulines*

Dato curioso: Al parecer el guión es un repertorio bien elaborado de referencias a grandes fraudes de psíquicos. El parte del personaje de Simon Silver está inspirado en el ilusionista Uri Geller. Palladino hereda su apellido de la famosa ‘medium’ Eusapia Palladino y representa parte del fraude del reverendo Peter Popoff, tiene una cita literal en el film: "Hola Petey, ¿puedes oírme? Si no puedes, estás en problemas", tomada del acontecimiento real.